Como Greene King vinculou passado e presente com Stop Motion

Greene King colaborou com a House337 para lançar uma campanha para suas primeiras cervejas artesanais, “Level Head” e “Flint Eye”. Dirigido por Balázs Simon, do BlinkInk, o filme se concentra no passado peculiar da Grã-Bretanha, mas também fala com uma nova geração de amantes da cerveja artesanal de uma maneira muito especial.

Unindo a herança de 200 anos da empresa com sua primeira aventura no mundo da cerveja artesanal, o projeto de Balázs usa o jogo de luz e sombra para criar uma projeção de 360 ​​graus através de 355 latas de cerveja cortadas a laser individualmente. As caixas foram então trazidas à vida com animação stop-motion para dar vida à história, enquanto uma luz foi colocada dentro de cada caixa para projetar a arte recortada.

Este projeto tecnicamente desafiador jogou com as leis do universo, pois dependia inteiramente da luz. Para criar sombras nítidas, a luz tinha que ser colocada a uma distância perfeita da parede em que estava refletindo. Isso significava calcular a anamorfose de ilustrações desenhadas à mão, programar meticulosamente os controles de movimento e construir equipamentos de luz rotativos personalizados em um estúdio escurecido. Embora o processo permitisse erros – que precisavam ser cuidadosamente controlados e evitados – também revelava uma inesperada qualidade fantasmagórica na forma como a luz reagia, elevando o filme final.

Zoe Antonov, do LBB, falou com Balázs sobre o significado e a realização da campanha.

LBB> Qual foi o briefing da campanha e quais foram as primeiras conversas sobre ela?

Balázs > Greene King tem uma enorme herança – eles fabricam cerveja há séculos. Sua nova linha é sua primeira incursão no mercado de cervejas artesanais, por isso quisemos destacar como a história da marca culmina em algo para os tempos de hoje (de forma artesanal, claro!).

No início, conversamos muito sobre como usar um estilo de xilogravura e cortar a animação de folheado de madeira. Isso por si só já seria muito interessante, mas senti que precisávamos de um vínculo mais forte com o produto e quis destacar sua modernidade. Mantivemos o cerne da ideia, mas em vez de usar madeira, criamos um projetor de 360 ​​graus da lata de cerveja, com legendas brotando dela.

LBB> A arte do filme é incrível! Por que você decidiu optar pelo stop motion e que mensagem esperava passar com ele?

Balázs> Foi uma decisão muito lógica; queríamos combinar artesanato tradicional com tecnologias modernas para refletir sobre a herança e o know-how da cervejaria. Foi a maneira perfeita de juntar algumas lendas antigas (a cervejaria está localizada em Bury St Edmunds, daí as referências históricas em sua marca), enquanto criava algo contemporâneo e fresco. Ao fazê-lo quadro a quadro de verdade, eu queria reconhecer a antiga dedicação de Greene King à fabricação de cerveja.

LBB> Você acha que o stop motion está se tornando um dos pilares da narrativa na publicidade?

Balázs> Você poderia fazer uma pergunta semelhante com “A IA matará os empregos criativos?”.

De um certo ponto de vista, a resposta é sim. Você já está começando a sentir que pode passar uma década aperfeiçoando seu ofício com um software que faz algo semelhante em um instante. Em breve, os algoritmos poderão imitar não apenas os estilos artísticos, mas também os processos de pensamento que o levam ao resultado. A IA se tornará o principal pilar da narrativa?

Posso estar excessivamente otimista, mas não acho que será esse o caso. Na minha opinião, as pessoas sempre estarão interessadas nos outros, e esse é o principal motor de todas as formas de comunicação. Sempre queremos ver o que os outros pensam ou sentem e vivenciam a realidade, independentemente das conquistas digitais ao nosso redor.

A experiência humana progrediu para um estado em que está simultaneamente em um mundo “analógico” e “digital”, e isso afeta as histórias que gostaríamos de compartilhar. O stop motion moderno é um meio termo empolgante onde esses mundos podem coexistir perfeitamente. A ideia dessa dualidade já é um pilar principal. Basta pensar no desejo de injetar uma sensação humana em produções CGI (como o stop-motion de “Cash In Cash Out” para Pharrel Williams), ou adicionar uma sensação digital às filmagens ao vivo (como a câmera do controle de movimento linear se move para ‘HUMBLE’ para Kendrick Lamar, ou a sensação leve e arejada de ‘Open Spaces’ da Burberry).

LBB> Conte-nos mais sobre o processo de animação que entrou no filme!

Balázs> Apesar da ideia ser algo muito simples (leve em lata), chegar lá foi um processo bem elaborado! No final, tudo o que estávamos fazendo tinha que ser muito matemático, para que funcionasse. Por isso, criamos uma visualização 3D precisa com trabalho de câmera e arredores quase final, e os animadores 2D desenharam a animação diretamente em cima dela. Dessa forma, conseguimos apresentar a ideia ao cliente desde o início e também facilitamos o foco dos animadores em seu ofício. Eles não precisavam se preocupar com tecnologia, só precisavam desenhar coisas onde queriam que a luz atingisse as paredes.

Feita a animação 2D, projetamos na superfície da lata. O algoritmo levou em consideração o ângulo de visão, a forma do ambiente e até mesmo a oscilação ocasional da lata. Esta anamorfose foi então cortada a laser em folhas de metal, que foram enroladas à mão em 355 cilindros individuais.

Reconstruímos o cenário com base nos desenhos em 3D e, depois de tudo pronto, fomos para o estúdio. Tivemos que colocar a plataforma de controle de movimento para que o sensor real da câmera correspondesse exatamente ao sensor virtual que usamos para os cálculos. Tinha que ser milimetricamente perfeito e levava dias para ficar perfeito – com várias idas e vindas entre o software de animação e a câmera, muitas vezes fazendo medições virtuais e transferindo-as para a configuração real.

A criação da configuração de luz foi tão complicada que é a sua própria história. Para obter sombras suficientemente nítidas nas paredes, precisávamos de uma fonte de luz tão pequena quanto possível. Mas quanto menor você for, menos luz ele emitirá. Tivemos que fazer exposições longas de três a quatro segundos para expor adequadamente a cena, então tivemos que escurecer todo o espaço do estúdio. Os animadores trabalhavam na escuridão quase total e, devido à difusão limitada do LED, não conseguiam nem ver toda a imagem projetada nas paredes, apenas uma pequena fração dela. Para cada quadro, eles tiveram que desmontar a caixa, substituir a manga de metal e posicionar a nova com altíssima precisão.

Também foram necessários 120 canais DMX animados para obter as transições de cores corretas no ambiente, transformando até o DP em um animador!

LBB> Quais são as ilustrações inspiradas e que história você tentou contar com elas?

Balázs> As ilustrações são inspiradas nas xilogravuras medievais e na arte da anamorfose do artista húngaro István Orosz. Queríamos manter a diversão peculiar dos estilos de gravação mais antigos, garantindo que ainda fosse possível cortá-los a laser em alumínio. Portanto, o estilo também é uma combinação do antigo e do novo: desenhado à mão, mas mapeado para chapas de metal por algoritmos de rastreamento de raios sob medida. Eles mostram a conexão da cervejaria com antigas lendas inglesas, como a decapitação do rei Edmund.

LBB> Quem era seu público-alvo para a campanha e como você se certificou de alcançá-lo?

Balázs> Queríamos atingir uma geração mais jovem, reconhecendo a história da marca e reconhecendo seus fãs estabelecidos. Eu queria criar uma sensação de que há muita emoção a ser descompactada aqui, com imagens que eles provavelmente nunca viram antes. Em vez de focar em cenas comuns que você associa à cerveja, adotamos uma abordagem mais sensorial.

LBB> Qual foi a parte mais difícil de executar o filme? E o que foi mais divertido?

Balázs> Uma coisa geralmente difícil era fazer tudo sem ver no que você estava trabalhando! Como toda a história é feita de luz, tudo só poderia se encaixar quando montássemos no set e acendêssemos o LED. Essa pequena luz foi o ponto focal de toda a produção e foi a parte mais difícil de criar.

Max (o DP) tinha uma quantidade insana de LEDs para testar. Assim que encontrou um super forte com uma grande propagação, ele removeu sua lente e a substituiu por uma folha adesiva, na qual queimamos um buraco de menos de 0,2 milímetros com um laser. Andy (o rigger) projetou um soquete personalizado para este LED, e nós o colocamos em um pequeno motor com um anel deslizante, criando algo como um farol. Girar a luz exatamente no eixo manteve seu pequeno diâmetro, mas expandiu sua propagação para 360 graus em longa exposição. Além disso, teve que ficar no espaço com precisão submilimétrica para projetar a história sem distorções indesejadas.

Embora tenha sido a coisa mais difícil (e crucial) de fazer certo, também foi a mais divertida, ver todos os nossos esforços fazerem sentido e realmente funcionarem!

LBB> Um pensamento final?

Balázs> Sempre que falo com as pessoas sobre este projeto, sempre surge uma pergunta. Por que não usamos CGI?

É bom. De certa forma, poderíamos ter feito, visualmente, um filme muito semelhante. Mas acho que não teria contado a mesma história.

Sou apaixonado pela realidade, e o que odeio na animação é que é tão difícil “tropeçar nas coisas”. Quando você está filmando ao vivo, muitas vezes você pode se inspirar no set e experimentar coisas para as quais não estava preparado. Você se depara com o caos e sua tarefa é criar estrutura. Eu tento abordar a animação na direção oposta – estou constantemente tentando encontrar o caos na estrutura.

Quando planejamos a animação, não sabíamos que tipo de destaques secundários obteríamos do interior da lata e dos géis coloridos. Essa imprevisibilidade agregou muito valor ao filme. Essas peculiaridades de nossa máquina estranha tornaram a filmagem bastante falha e fantasmagórica, enquanto tentava convocar lendas do passado. Tornou-se fugaz, demorando-se entre a realidade e algo intangível. Nunca teríamos conseguido a mesma coisa com uma abordagem CGI.